Die aktuelle Marktlage stellt die langläufige Meinung in Frage, dass Kunstpreise immer steigen. Die Preise für zeitgenössische Kunst stürzen ab. Ist dies das Ende?
Der Nebel des Flippens lichtet sich, und die entstehende Landschaft ist mit Opfern übersät.
Man braucht nur einen Blick auf die zahlreichen Auktionen zeitgenössischer Kunst zu werfen, die in diesem Monat stattfanden.
- “Contemporary Curated” bei Sotheby’s am 1. März: 82 Prozent der Lose wurden verkauft (nachdem 22 Lose zurückgezogen wurden).
- “New Now” bei Phillips am 12. März: 72 Prozent der Lose wurden verkauft (nach 12 Rücknahmen).
- “Postwar to Present” bei Christie’s am 13. März: 73 Prozent der Lose wurden verkauft (bei 8 zurückgezogenen Losen).
Und vieles von dem, was verkauft wurde, lag weit unter den bisherigen Höchstpreisen.
“Auf dem Markt herrscht im Moment ein ziemliches Gemetzel”, sagte mir ein Sammler, als wir die Ergebnisse durchgingen. “Viele Dinge verkaufen sich überhaupt nicht oder nur zu einem Bruchteil dessen, was sie einmal gekostet haben.”
Ein krasses Beispiel:
Emmanuel Takus Gemälde Sisters in Pink, das ich vor zwei Jahren in einer Kolumne über die steigenden Preise für aufstrebende afrikanische Künstler vorgestellt habe. Das Gemälde wurde 2021, dem Jahr seiner Entstehung, zum ersten Mal auf einer Auktion versteigert, nachdem es einige Male in Windeseile verkauft worden war. Es erzielte einen stolzen Preis von 189.000 $ bei einer Schätzung von 35.000 $. Sein neuer Besitzer hatte diesen Monat kein solches Glück:
Sisters in Pink wurde für nur 8.000 Dollar verkauft, während die Schätzung bei 10.000 bis 15.000 Dollar lag.
Lassen Sie das auf sich wirken: Jemand, der das Gemälde für 189.000 Dollar gekauft hatte,
verkaufte es drei Jahre später für 8.000 Dollar. Nein, ich habe keine Null übersehen.
Dieses eindeutige Ergebnis hat mich zum Nachdenken darüber gebracht, wie die Menschen in der Kunstbranche über Preise denken, mich selbst eingeschlossen.
In den letzten zwei Jahrzehnten hat sich die Auffassung herausgebildet, dass Kunst ein alternativer Vermögenswert ist, der – mit den richtigen Maßnahmen und dem richtigen Timing – genauso gut (wenn nicht sogar besser als) traditionelle Vermögenswerte wie Aktien, Anleihen und Immobilien wertbeständig ist.
Doch was geschieht mit dieser Vorstellung, wenn die Preise einbrechen, wie es jetzt der Fall ist?
Warum ist Kunst mit Investment-Grade-Rating heute viel weniger liquide als noch vor zwei Jahren?
Stehen wir vor einer Zukunft, in der es für Investoren schwierig sein könnte, ihr Geld zurückzubekommen?
Wie sind wir hierher gekommen?
Ich werde diese aktuellen Fragen in einer Reihe von Artikeln untersuchen. Doch lassen Sie mich zunächst einen Schritt zurückgehen.
Als ich 2006 bei Bloomberg anfing, über den Kunstmarkt zu berichten, galten Preisdiskussionen geradezu als unhöflich. Ich musste alle möglichen Hürden überwinden, um von den Galerien Preise zu bekommen. Auf Kunstmessen warfen viele Händler einen Blick auf meinen Presseausweis und hielten den Mund.
Die Dinge änderten sich, als die Finanzialisierung der Kunst ein großes Thema wurde. Auktionshäuser und Galerien erkannten, dass sie mit hohen Preisen eine Menge Publicity erzielen konnten.
Hier sind einige typische Bloomberg-Schlagzeilen aus den vergangenen Jahren:
– “110-Millionen-Dollar-Basquiat von Familie verkauft, die ihn für 19.000 Dollar gekauft hat”
– “Eine Messing-Skulptur könnte den Erben eine Rendite von 1.400.000% einbringen”
– “Wie man mit dem 85-Millionen-Dollar-Gewinn aus dem Basquiat-Erbe umgeht”
Ich habe einmal mit einem Redakteur zusammengearbeitet, der in den 1970er Jahren beim Wall Street Journal Pionierarbeit bei der Berichterstattung über den Kunstmarkt geleistet hat. Er drängte mich, eine Geschichte über das große Problem des Marktes zu schreiben: die Liquidität. “Kunst ist sehr schwer wieder zu verkaufen”, sagte er. Ich tat es mit einem Schulterzucken ab, da ich mich auf Kunst als Investition konzentrierte.
Jetzt tue ich es endlich – oder tauche zumindest meine Zehen in dieses riesige Thema ein. Ich war versucht, es
“das schmutzige Geheimnis des Kunstmarktes”
zu nennen, aber niemand, mit dem ich sprach, schien überrascht.
“Ich würde sagen, dass 85 oder 90 Prozent der Kunst wie ein neues Auto ist”, sagte mir ein Kunstberater. “Sobald es vom Parkplatz rollt, ist es viel weniger wert – mit Ausnahme der sehr seltenen Sammlerautos, für die es Wartelisten gibt und die im Moment noch sehr viel mehr wert sind.
Der Berater, der ein florierendes Geschäft betreibt, bat darum, nicht namentlich genannt zu werden, und es ist leicht zu verstehen, warum. Das Transaktionsfieber der letzten zwei Jahrzehnte beruht auf der Vorstellung, dass Kunst als Investition mit Aktien und Immobilien konkurrieren kann.
Unternehmen für Teileigentum wie Masterworks verkaufen den Traum an Kleinanleger, während Kunstfonds mit Blue-Chip-Trophäen auf Wohlhabende abzielen und Kunstmakler auf heiße neue Namen spekulieren. Marktinsider lächeln und klingeln weiter die Kasse. Cha-Ching!
Im Laufe des letzten Jahres hörte ich die Sorge über eine wachsende Kluft zwischen dem Primär- und dem Sekundärmarkt. Die Preise auf dem Primärmarkt sind für viele Künstler so hoch geworden, dass sie nicht mehr gewinnbringend weiterverkauft werden können, wie mir Quellen berichteten.
Diese Klage spricht Bände über die gegenwärtige Situation in der Kunstwelt, die von Investitionen besessen ist.
“Bis vor relativ kurzer Zeit galt die allgemeine Weisheit, dass es ein Erfolg ist, wenn Kunst ihren Wert über einen längeren Zeitraum behält”, so ein Auktionsleiter. “Vor allem hatte man das Vergnügen, mit ihr zu leben, und wenn man sie Jahre später verkaufen und sein Geld zurückbekommen konnte, war das beeindruckend.”
Das neuere Narrativ war für alle Beteiligten verführerisch. Schlagzeilen, in denen große Renditen angepriesen werden, haben viele davon überzeugt, dass es ein Kinderspiel ist, Kunst günstig zu kaufen und teuer zu verkaufen.
Das ist es aber nicht !
“Wenn Sie Glück haben und klug kaufen”, erinnert der Berater seine Kunden gerne, “wird sich eines der zehn Objekte in 20 Jahren um ein Vielfaches auszahlen und den Rest Ihrer Kunstsammlung finanzieren, die vielleicht so gut wie nichts wert ist”.
Es gibt viele abschreckende Beispiele:
Anselm Reyle, der Zombie-Formalismus und in jüngerer Zeit Rudolf Stingel und Wade Guyton, deren Märkte unter den Folgen des Inigo Philbrick-Betrugs litten.
Galerien arbeiten hart daran, den Stempel des Wertes aufzudrücken, indem sie ihre Marken aufbauen und wertvolle Kunstwerke in prestigeträchtigen Sammlungen, Museen und Biennalen unterbringen. Ein ganzes Ökosystem ist dafür da, den Glauben zu stärken, dass Kunst im Wert steigt.
“Der durchschnittlich reiche Mensch will glauben, dass es wahr ist”, sagte ein anderer Berater.
Nur einige wenige Beispiele können die tatsächliche Realität zeigen.
Nehmen Sie Pat Steir, einen verehrten Achtzigjährigen, dessen 14 neue Gemälde bei Hauser & Wirth in Los Angeles innerhalb von 24 Stunden zu Preisen zwischen 700.000 und 850.000 Dollar verkauft wurden, wie ich hörte.
Eine schnelle Suche in der Artnet Price Database zeigt, dass nur 10 Werke von Steir (von den 167 gelisteten) bei einer Auktion mehr als 700.000 $ erzielten. Der Auktionsrekord des Künstlers von 2,3 Millionen Dollar wurde 2018 aufgestellt.
Dito Frank Stella.
Am 1. März wurde eine massive Skulptur aus dem Jahr 1982 bei Sotheby’s für nur 48.260 $ verkauft, während die Schätzung bei 150.000 $ lag. Seine neuen Werke werden derzeit für 2,5 Millionen Dollar bei Jeffrey Deitch in New York angeboten. “Sie kosten so viel in der Herstellung, dass der Verkaufspreis nicht viel höher ist als der Herstellungspreis”, so Deitch. “Wenn die Leute diese neuen Werke sehen, sind sie verblüfft.”
Das Gleiche gilt für Oscar Murillo, dessen neue Gemälde laut der wertvollen Artnet-Kolumne Price Check von David Zwirner für 350.000, 400.000 und 500.000 Dollar verkauft wurden. Murillos jüngste Auktionspreise liegen jedoch nur bei einem Bruchteil dieser Beträge. Seit der Pandemie kamen 50 Gemälde des kolumbianischen Künstlers zum Verkauf, von denen ein Viertel floppte – darunter zuletzt ein Gemälde bei Phillips in London, das auf 50.000 bis 70.000 Pfund geschätzt wurde.
($63.000-$88.000), laut der Artnet Price Database. Sein Auktionsrekord von 401.000 $ wurde 2013 aufgestellt.
Gleiches gilt für Dan Colen, einen weiteren ehemaligen Liebling der Spekulanten, dessen großformatiges Gemälde Vengeance (2015) aus der angesehenen de La Cruz-Sammlung in Miami kürzlich bei Sotheby’s 15.400 $ erzielte.
Neue Gemälde dieser Größe wurden auf dem Primärmarkt für 450.000 $ gehandelt, wie mit seiner Preisgestaltung vertraute Personen berichten.
Es ist davon auszugehen, dass die Mega-Sammler einen Mega-Rabatt erhalten haben, aber dennoch stellt sich die Frage:
Warum sollte die marktkundige Familie einen so großen Verlust hinnehmen? (Die Antwort muss noch warten: Rosa de la Cruz ist leider letzten Monat gestorben).
Das gilt auch für Loie Hollowell, die gerade ihre erste Museumsausstellung im Aldrich in Ridgefield, Connecticut, hat. Ihr Gemälde Lick Lick in Blue, Green and Yellow (2015), das auf 500.000 bis 700.000 Dollar geschätzt wird, fand Anfang des Monats bei Christie’s keinen Abnehmer.
Diese Liste ließe sich beliebig fortsetzen und umfasst Künstler aller Preisklassen und Karrierestufen. Hier sind einige, deren Werke bei der letzten Phillips-Auktion nicht verkauft wurden:
- Robert Rauschenberg
- Hank Willis Thomas
- Lisa Yuskavage
- Vaughn Spann
- Peter Saul
- Petra Cortright
“Es ist keine sanfte Landung”, sagte Deitch über die derzeitigen Marktbedingungen.
Wie denken die Sammler darüber?
Da gehen die Meinungen natürlich auseinander.
Viele sind der Meinung, dass die Primärpreise zu hoch geworden sind. Einige räumen ihr Kunstlager aus und versteigern den Inhalt, bevor alles auf Null sinkt. Andere machen sich keine Gedanken über den Markt.
“Ich kaufe keine Kunst, weil ich glaube, dass die Preise steigen werden”, sagt Beth Rudin DeWoody, eine erfahrene Sammlerin und Philanthropin. “Es gibt eine Menge junger Künstler. Ich habe keine Ahnung, wie sich ihre Karrieren entwickeln werden. Ich unterstütze gerne junge Künstler oder solche, die übersehen wurden. Manchmal steigen sie auf und manchmal nicht.”
Evan Ruster, der seit mehr als zwei Jahrzehnten sammelt, betrachtet sich selbst als Glückspilz, wenn es um seine Kunstkäufe geht. Er hat zwar schon ein paar geschickte Verkäufe getätigt, aber er kauft Kunst nicht mit der Absicht, sie weiterzuverkaufen.
“Man kauft sie, weil man sie liebt”, sagt Ruster. “Es ist eine Leidenschaft. Man ist also in gewisser Weise nicht rational.”
Wie kann man überhaupt einen Preis für Kunst festlegen?
“Das ist so subjektiv”, sagte Ruster. “Man ist wie: Ich habe gerade ein Stück Papier mit ein paar Markierungen darauf gekauft. Ich hätte auch einen verdammten Audi kaufen können.”
